El metaverso de realidad aumentada Over está planeando una toma de control de moda y tecnología de la Piazza del Duomo en Milán el 31 de marzo, con un desfile de moda híbrido y otros eventos en el día de clausura de la Metaverse Fashion Week de Decentraland, anunció la compañía el sábado por la mañana. Over, también conocido como OVR, es uno de los coanfitriones de MVFW.

Con el apoyo de la Municipalidad de Milán, el evento se llevará a cabo IRL como una atracción destacada de MVFW con marcas que abarcan compañías de moda emergentes y establecidas, incluidas Gucci Vault x Pet Liger, Pinko, Balmain x Space Runners ‘Unicorn NFT collection, Ilona Song x Vogue Singapur, Ecoolska y XR Couture participando en charlas, presentaciones o el desfile híbrido.

Los asistentes podrán ver cómo un avatar digital que usa, por ejemplo, un look de la última colaboración de Gucci Vault recorre la pasarela física simplemente levantando sus teléfonos inteligentes y viendo la acción en sus pantallas.

Una parte crucial para que eso funcione es que las modas virtuales, como activos digitales, están geolocalizadas en el espacio, dijo David Carr, jefe de asociaciones de Over.

“El metaverso Over es, en su nivel fundamental, esta capa digital que ha sido mapeada sobre la tierra física. Y tenemos más de un billón de hexágonos, que representan parcelas de tierra digital”, dijo a . “Ahora, lo que Over ha hecho es apoderarse de la tierra que se encuentra arriba, la capa que se encuentra sobre la Piazza, y han programado o geolocalizado el contenido de ese mapa de esa parcela de tierra en la plataforma Over”.

El enfoque le resultará familiar a cualquiera que alguna vez haya jugado un juego AR en su teléfono, como Pokémon Go o Ingress, que superpone objetos digitales sobre la vista de la cámara del mundo físico como si estuvieran tangiblemente presentes.

“Cuando activa la aplicación a través de un iPad o un teléfono inteligente, puede ver el contenido tal como se ha localizado en el espacio”, continuó Carr. “Entonces, donde sea que esté parado en la Piazza, si está parado en la terraza donde estarán los invitados, verán el contenido moverse de izquierda a derecha. Alguien parado al otro lado de la plaza vería el contenido moviéndose de derecha a izquierda”.

El desfile de modas del metaverso AR, como espectáculo tecnológico, seguramente llamará la atención, pero Over también incluye otros elementos en la agenda, incluido un discurso de apertura de Marco Ruffa, director de transformación digital de Pinko, una experiencia AR destacada de Bored Apes y CryptoPunks y una charla panel con oradores de Marangoni, Municipio de Milán, Polygon y PwC Italia.

“La moda estuvo entre las primeras industrias en reconocer el increíble potencial del metaverso y la Web 3.0”, dijo Davide Cuttini, director ejecutivo y cofundador de Over. “Esto se debe a las muchas vías que estos dominios abren para la moda, desde el diseño hasta el comercio minorista. Over amplía aún más este horizonte al fusionar de manera única los mundos virtual y físico utilizando la realidad aumentada.

“Juntos, estos presentan una gran oportunidad para que las marcas, los diseñadores y los minoristas lleguen a los consumidores, en cualquier momento y en cualquier lugar”.

Over también está organizando un concurso de creadores de metaversos cruzados, para diseñadores de moda que crean dispositivos portátiles de avatar que funcionan tanto en Over como en Decentraland.

Todo es parte del tema principal de MVFW 2023 de «Patrimonio futuro». El concepto paraguas yuxtapone la tradición y la innovación, lo físico y lo digital, la singularidad y la interoperabilidad, con un enfoque en los cruces digital-físico y los esfuerzos del metaverso cruzado.

Si bien los críticos han estado señalando todas las formas en que el metaverso parece estar en declive, al menos como fenómeno cultural, la tecnología y los enfoques aún están evolucionando. Una forma de avanzar es centrarse en la realidad aumentada, y AR siempre se mencionó como parte del metaverso, incluso si hubo pocos ejemplos concretos de cómo se conectaría con el mundo virtual. Bajo esa luz, Over, como una plataforma inmersiva y descentralizada con un giro AR, parece un paso en una dirección productiva y agrega nuevos escenarios intrigantes.

Como mínimo, permite a los socios, Decentraland, Over y Spatial, el tercer coanfitrión de MVFW, traer algo nuevo al público. El trío estuvo a la cabeza el año pasado, cuando el entusiasmo era alto y el evento atrajo a 108 000 invitados y canalizó 165 000 dispositivos portátiles. Esas no son cifras enormes, pero de todos modos puede ser un desafío vencerlas, a medida que el entusiasmo se desvanece.

Su objetivo declarado ahora, según el anuncio, es «traducir la experiencia de varios lugares del mes de la moda al ámbito virtual», según el anuncio, y eso incluye proyectos AR. Pero, ¿es eso suficiente para revitalizar el interés en todo lo relacionado con el metaverso? Eso debería ser evidente la próxima semana.

Metaverse Fashion Week comienza el martes.

NUEVA YORK – Inclinado a trabajar de manera inteligente y frecuente, en lugar de trabajar duro, el creativo interdisciplinario Todd Oldham ilustró el jueves por la noche cómo su carrera se rige por eso una y otra vez.

Después de brillar en el mundo de la moda en los años 80 y 90, Oldham, ganador del premio Perry Ellis de la CFDA en 1991, continúa ejerciendo su destreza en una miríada de proyectos. Durante una sesión de preguntas y respuestas con Fern Mallis en The 92^{Dakota del Norte} Street Y, Oldham, ecuánime como siempre, dijo que abrió un negocio de moda porque tenía que comer. “Sabía que estaba desempleado. No quiero decir que yo era un mal empleado. Sabía que me servía mejor ejecutando mis propias ideas”.

A principios de 1982, él y su madre hicieron todas las muestras, patrones y todo lo demás. Unos años más tarde, Tony Longoria se unió como socio comercial y se mudaron a un apartamento sin ascensor en el cuarto piso de East Village donde Simon Doonan pintó la sala de estar con dibujos de líneas deformadas en blanco y negro. “Era como estar en una casa de la risa loca. El exterior se sentía como si fuera tan importante como el interior. Siempre había gente gritando en la calle. Era este lugar mágico. Susanne Bartsch fue realmente asombrosa. Traía a muchos de los diseñadores ingleses y organizaba fiestas salvajes”.

Oldham fue sincero sobre su momento ‘a-ha’ para dejar de hacer colecciones, maldiciendo cómo siempre suena cuando recuerda el punto de ruptura. El momento involucró un vestido duchesse de seda de cuatro capas que «requirió una gran cantidad de esfuerzo». Las telas se tejían en el Lejano Oriente, el teñido se hacía en Italia y él pintaba a mano ramas y capullos de cornejo sobre acetato que luego se convertía en pantallas de tamaño completo y serigrafiadas a mano por profesionales. Su madre escultora hizo a mano pétalos de cornejo con perlas de agua dulce que se aplicaron al vestido. En cierto momento, Oldham decidió: “¿Qué estoy haciendo? Involucró tantos países y tantas personas y tanto tiempo. y cindy crawford [whom he appeared on the TV show ‘House of Style’ with],» él dijo.

“La máquina echaba humo en ese momento, pero algo cambió para mí en este momento”, dijo Oldham. El comentario recurrente de los consumidores de “’Me encanta lo que haces. Nunca podría permitírmelo’” también era “doloroso” para Oldham escuchar rutinariamente, dijo.

Su búsqueda de un diseño asequible evolucionó en «House of Style», que incluía consejos para tipos perezosos como cortes de pelo hechos por él mismo, que todavía se hace él mismo. Sin embargo, el consejo de teñir el cabello en casa con Kool-Aid salió mal ya que el consejo final de usar pasta de dientes para eliminar el tinte se eliminó inadvertidamente. La creencia conjunta de que “las ideas eran importantes y el dinero no” resonó durante todo el espectáculo. Oldham dijo: “Podría entrevistar a John Galliano en un momento y luego tomar una piedra y atarla con cobre para mostrar cómo hacer un botón. Todo se trataba de creatividad”.

La popularidad del programa se debió a Crawford, “que sigue siendo tan encantadora como puede ser. En ese momento, ella era como un terremoto viviente. La gente simplemente se cayó. Cuando estuvieran 10 pies cerca de ella, simplemente [practically] desmayarse. Es la única modelo que se parece a sí misma cuando aparece. La mayoría de ellos, tienes que pintarlos. Y eso está bien, se ven geniales. Pero se parece a ella misma”.

Desvergonzado acerca de cómo un episodio de «Los tres chiflados» que había visto cuando era niño inspiró su memorable colección de «interiores», Oldham dijo: «Es este llamado ‘Slippery Silks’. Los Tres Chiflados son fontaneros, pero cuando se presentan en esta casa, la mujer cree que son diseñadores de moda. Así que montaron un desfile de moda. Nunca me relacioné con nada tan claramente. Quemó en mi cerebro y era mi hoja de permiso”.

Después de abandonar la moda, posteriormente aplicó sus habilidades de diseño a interiores, libros, artes modernas para niños y herramientas artesanales para niños y otras actividades artísticas. Pero el autodenominado «paquete serio» ha mantenido archivos muy ordenados para su ropa «inmaculadamente confeccionada», incluidos algunos estilos hechos con una empresa de abalorios de 400 años de antigüedad en la India. “Nunca tuvimos ventas de muestras. Me importaba todo lo que hacíamos. Teníamos cada muestra, cada calzado, cada accesorio”, dijo Oldham.

Su decisión de cerrar la moda resultó en que todos los socios de la compañía, incluida una compañía japonesa, se enfadaran mucho, admitió. “Simplemente no entendían. Pero también los entendí. Estaban interesados ​​en aumentar las ventas del negocio y yo estaba como, ‘Ok, adiós’”.

Después de una exposición en el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island, Oldham ha retirado piezas allí, así como al Instituto de Vestuario del Museo Metropolitano de Arte y un archivo en Texas. Después de haber escrito más de 20 libros, Oldham está trabajando en uno de Phaidon sobre Alexander Girard. “Me encanta sumergirme tratando de aprender cada cosa sobre algo. Si estás escribiendo un libro sobre alguien, tienes que conocer y honrar su Piedra de Rosetta. No puedes adornarte ni hacerte valer. Estás en servicio.

Oldham tiene el mismo cuidado en la creación de materiales relacionados con las artes para los niños, incluido el recientemente lanzado Smarts & Crafts en Walmart. Al volverse «hipermasiva», Oldham se esfuerza por llegar a las personas en pueblos más pequeños donde el acceso a tales productos no siempre está disponible. Mallis instó a los asistentes a visitar el sitio de Todd Oldham Studio para ver la gama de diseños, los juguetes y los crayones en forma de gema en particular.

Sus propios padres, un escultor y uno de los primeros genios de la informática, lo alentaron a ser innovador en su forma de pensar. Mientras crecían, viajaron mucho y él vivió en Irán en un momento cuando era preadolescente. Entre los primeros en usar la impresión digital a su manera, Oldham no está completamente fuera de esa imagen. A través de Todd Oldham Maker Shop, artículos hechos con estilos reutilizados, lanzará patrones Pantone reeditados de hace años el 31 de marzo en línea.

Refiriéndose a estar entre los primeros diseñadores en trabajar con Target a principios de la década de 1980, Oldham confirmó que diseñó más de 2000 productos en dos años, incluidos elementos esenciales para dormitorios y todo tipo de decoración para el hogar. Todavía incrédulo sobre el volumen que produjo en ese momento para todo lo que se necesita cuando uno sale de casa por primera vez, dijo: “Al no haber tenido la experiencia universitaria, apenas me gradué de la escuela secundaria, pero eso tiene que ser una experiencia realmente intensa. cosa. ¿Te imaginas lo desafiante que es ese momento? Me divertí mucho poniéndome nervioso y tratando de resolver problemas. Me gustaban las cosas verdaderamente mundanas. Esa esponja fue una emoción. Lo inclinamos un poco para hacerlo más ergonómico y lo imprimimos en hermosos patrones. Al hacer cosas de dominio público, puedes hacer que todo sea un poco más hermoso”.

Su cartera de interiores también incluía muebles, alfombras y lámparas para La-Z Boy; tales proyectos de «nivel de sabor límite» con marcas icónicas realmente lo encantaron. “Había una ventaja que me encantaba. Resultaron ser personas súper amables y dispuestas a hacerlo. Nadie parpadeó por lo que hicimos. Apuesto a que lo hicieron en reuniones privadas, pero no conmigo.

Otra alianza fue con Jones New York para los jeans Todd Oldham. Al recordar una cita de Rei Kawakubo sobre patear la máquina, Oldham dijo que se identificaba con eso. Al notar cómo Jones New York estaba vendiendo los entonces codiciados jeans Gloria Vanderbilt, el diseñador dijo que persuadió a la compañía “para cambiar las cosas y trabajar con lavado ácido, que nadie quería. Eso fue viejo y horrible. Simplemente lo construimos y lo construimos y se convirtió en algo gigante”.

Ese éxito, sin embargo, llevó a un conflicto con Target. “Nos metimos en muchos problemas con Target. Nos adelantamos unos años. Asustó a todos los demás negocios que teníamos. Sabía que era el futuro, pero seguro que detuvo muchas oportunidades para nosotros”.

Cuando se le pidió un consejo para los aspirantes a diseñadores, dijo: “Deberías hacerlo. No me escuches a mí ni a mucha gente. Necesitamos a alguien con una idea diferente y un punto de vista diferente. Escuche desde un punto de vista histórico y analice esa información en algo nuevo. Realmente se reduce a hacer algo de lo que el mundo pueda beneficiarse. No necesitamos más. Nadie necesita nada. Si vas a hacer algo, emocionanos. Hacer que cuente.»

HONG KONG – La décima edición de Art Basel Hong Kong ni siquiera había comenzado y la principal conclusión de la semana centrada en el arte de la ciudad era obvia.

Con el retiro del uso obligatorio de mascarillas el 1 de marzo, la metrópolis, una parte clave de la Gran Área de la Bahía de China, ya estaba inundada de miembros de la alta sociedad que regresaron para Art Basel y eventos adyacentes que abarcan la moda, la cultura y la arquitectura. “Hong Kong finalmente ha regresado”, declaró Adrian Cheng en la cena inaugural de la exposición de graffiti “City as Studio” en el K11 Musea.

En el día de presentación VIP de Art Basel Hong Kong en el Centro de Convenciones y Exposiciones de Hong Kong, coleccionistas de China continental, Corea del Sur, Japón, Tailandia, Indonesia, Singapur, India, Europa y América del Norte compitieron por obras de arte con grandes apostadores locales. .

Angelle Siyang-Le, directora de Art Basel Hong Kong, dijo que si bien la feria no es más grande que antes de la pandemia, que era de unas 240 galerías participantes, señaló que “el entusiasmo por regresar al espectáculo es increíblemente alto en toda la región. ”

Lorraine Kiang, cofundadora de la galería de arte Kiang Malingue, con sede en Hong Kong y Shanghái, dijo que el ambiente general en la feria “ha sido muy emocionante, con mucho interés y consultas”. Podría decirse que su galería trajo a la feria una de las obras más llamativas: la «Fuente: jardín nocturno» a gran escala de Nabuqi.

“Hay mucho en oferta. Los dos pisos de la feria pueden ser abrumadores a veces, pero los visitantes han regresado para explorar y ver todo lo que pueden. El negocio ha sido sólido y también estamos conociendo nuevos coleccionistas, lo que es una señal de una excelente feria”, agregó.

Para el coleccionista de arte Alan Lo, cofundador de la Yenn and Alan Lo Foundation y del restaurante cantonés Duddell’s, galardonado con una estrella Michelin, la concurrida feria “muestra lo importante que somos como centro cultural”.

“Desde M+ hasta organizaciones sin fines de lucro independientes como Current Plans, Hong Kong tiene un ecosistema increíble con una sólida base de coleccionistas locales. Lo celebramos en nuestra exposición en Duddell’s con obras de 5 coleccionistas con sede en Hong Kong, incluido el fideicomisario del nuevo museo Evan Chow y el diseño de M+, el fundador de la Fundación Chu, Lawrence Chu, y el miembro del consejo de arquitectura, Stefan Rihs”, dijo Lo.

Agregó que “si bien algunos, no todos los distribuidores están presentes, Art Basel Hong Kong ha presentado un espectáculo sólido con una buena cantidad de transacciones realizadas en los primeros días. Me gusta especialmente la presentación en solitario de Kenneth Tam de Commonwealth and Council y las obras de Shinro Ohtake en el stand de Take Ninagawa. Nuestra fundación compró una obra de Jes Fan de la Galería Vacía durante las primeras horas de la feria”.

El artista multidisciplinario Oscar Wang, quien recientemente lanzó una tirada limitada de teteras con Daniel Arsham, dijo que la feria ofrece una gran oportunidad para ver a “mucha gente reunida y explorando las novedades. Conectar con otros creativos y ponerse al día fue muy motivador”.

Su pieza favorita en la feria fue una escultura cinética con ocho pantallas de video, un exterior de metal de aluminio pulido y un marco interno de aluminio, acompañada de una ficha no fungible llamada “Heaven/Hell” de Mike Winkelmann, conocido profesionalmente como Beeple.

La fundadora de Just An Idea, Sarah Andelman, remarcó la gran afluencia que marcó “un verdadero regreso de los coleccionistas del mercado asiático, de China a Corea” y describió esta edición de Art Basel como “una buena feria con un buen panel de galerías”.

Además de sus eternos favoritos, la galería con sede en Tokio y Taipei Kaikai Kiki, cofundada por Takashi Murakami, y la galería japonesa Nanzuka, «le pareció interesante que el espacio entre las galerías se usara para exhibir instalaciones, incluido un acontecimiento en el que la artista encerró participantes en andamios de bambú, una característica que siempre sorprende en Hong Kong”. Se refería a una obra titulada “The Constructor” de la artista indonesia Mella Jaarsma.

Las compras también avanzaron a un ritmo acelerado, si las conversaciones en los eventos sociales sirven de referencia, con los coleccionistas informando sobre lo que habían logrado comprar.

“Todos se han ido”, bromeó Wesley Ng, cofundador y director ejecutivo de la marca de accesorios tecnológicos Casetify, cuando se le preguntó en qué había puesto su corazón. Debido a las colaboraciones de artistas por las que la marca de accesorios es conocida, no quiso entrar en detalles.

Los asistentes a la feria se vistieron para impresionar, portando sus bolsos Hermès Birkin o Kelly más raros.

Los minoristas y las marcas de moda organizaron una gran cantidad de activaciones durante la semana.

K11 Musea, por ejemplo, inauguró la primera gran exposición de graffiti y arte callejero de China antes de la feria de arte. La exposición, comisariada por Jeffrey Deitch, famoso coleccionista y exdirector del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, presenta 100 obras de más de 30 artistas destacados como Jean-Michel Basquiat, Futura, Keith Haring, Kenny Scharf y Kaws.

Fue una “semana muy divertida y energizante”, dijo el arquitecto de interiores André Fu, cuyos proyectos recientes incluyen el spa The Claridge en Londres, el Maybourne Bar en Los Ángeles y las residencias Artus K11 en Hong Kong.

Al otro lado del puerto, en el centro comercial de lujo Landmark en Central, se erigió una cancha de baloncesto con pisos de madera combados en el atrio. Esta resultó ser una obra de arte titulada «Doble técnica», del artista estadounidense Tyrrell Winston.

“Gran parte de mi trabajo trata de lo que yo llamo historia incrustada. Así que son estos objetos con los que me he encontrado los que se encuentran o usan. Y muchos de los lugares que estoy explorando están en áreas metropolitanas de Detroit. Estos gimnasios abandonados y, a veces, el suelo de las canchas de baloncesto han comenzado a cambiar y ya no se usan. Realmente no puedes jugar con eso. Y quería que funcionara. Para eso, podrías jugar en él. Es casi un acto de carnaval. Es divertido, pero también es oscuro en la forma en que el mundo del arte rara vez juega con la obra de arte”, dijo Winston.

El concepto de arte y venta al por menor continuó en el espacio comercial de Landmark orientado a la generación Z, Underground, que vio cómo parte del espacio se transformaba en un vestuario donde se exhibieron más obras de arte, una serie de productos de edición limitada y una colección cápsula especial con Benjamin Edgar. en oferta.

Mientras tanto, Prada Frames, un simposio concebido por el estudio de diseño Formafantasma con sede en Milán y Róterdam, Países Bajos, y respaldado por Prada para explorar la compleja relación entre el entorno natural y el diseño, se presentó en M+, el museo de cultura visual de Hong Kong. El evento de dos días destacó el enfoque del arquitecto Jacques Herzog sobre la arquitectura, la preservación del mar y la circularidad material.

También hubo arte, del tipo portátil, con «A Journey Through Gems», una subasta de joyas de Lorraine Schwartz que marcó el primer evento físico fuera de los EE. UU. para Joopiter, la primera plataforma de subastas digital fundada por Pharrell Williams.

Entre estos había aretes de esmeraldas usados ​​por Angelina Jolie, un brazalete festoneado de diamantes y cristal de roca que Blake Lively usó recientemente, y una gran cantidad de diamantes de talla retrato de Schwartz engarzados en anillos y piedras preciosas sueltas, incluida una turmalina brasileña Paraiba azul eléctrico de 20,30 quilates y un Diamante ovalado internamente impecable de color azul intenso de fantasía de 5,27 quilates.

Después de una exhibición privada de las joyas, se organizó una mesa redonda entre Schwartz, Williams y el vicepresidente ejecutivo del Instituto Gemológico de América, Tom Moses, como parte de la iniciativa «Abierto al arte» puesta en marcha por HSBC, con el apoyo de Swire. Propiedades.

Las joyas de Williams también se incluyeron en la venta, como un anillo de oro amarillo de gran tamaño engastado con un elegante diamante amarillo en forma de corazón de 16 quilates. Williams dijo más tarde que era hora de dejar que otros disfrutaran de estos diseños que habían sido importantes para él.

Cuando se le preguntó acerca de cómo elegir las joyas, Williams tomó la iniciativa al decir que “si le gusta, si le hace algo a su corazón palpitante, y puede pagarlo, debe tenerlo. Eso es a lo que realmente debería llegar”.

Continuó aconsejando a los aspirantes a coleccionistas que «realmente se eduquen sobre muchas disciplinas artísticas, diferentes artistas, artesanos e industrias» y «aprendan más sobre estos individuos, sus vidas, lo que los motiva, cuánto de sus vidas pasan en su trabajo y cuanto [that work] va a afectar al mundo”.